agosto 22, 2015
In
agosto 10, 2015
In
Karla con K
Quizás sea de loco el decir que las criaturas que dibujo es el resultado de mis viajes a través de las dimensiones de tiempo espacial, en ellos visito planetas de lejano-fuera galaxias y épocas. Aún así no encuentro otra manera de describirlo. Devolví a pintura y collage como manera de huir mi vida diaria, desde entonces era lleno con píxeles. Adivino que estos son el porqués de mi trabajo, yo siendo un diseñador gráfico y diseñador de interacción. Sí! Estimo el qué hago y parece que soy bastante bueno, me han otorgado el Laus de Oro y el Laus Aporta.
Gracias a la sobredosis tecnológica general he recuperado el cepillo, tijeras y gluestick. Disfruto del placer de saber que las cosas vienen según mi parecer por cualquier medio disponible. Aun así, un regla única doblo a, ningún ordenador.
agosto 10, 2015
In
Xiscalina Yular
Xiscalina Yular es licenciada en matemáticas y artista multidisciplinar. Desde 2006 ha realizado numerosas exposiciones tanto de fotografía como de pintura en distintos países y ha llevado a cabo investigaciones sobre matemática y arte para diferentes organizaciones. En 2012 la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona publica su tesis sobre arte y enseñanza de la matemática, y en 2014 presenta un libro de poesía. También ha colaborado para diferentes proyectos como actriz, bailarina y modelo.
agosto 6, 2015
In
Sarah Watson
——————————————————
Sarah Charlotte Watson 06/ 04/ 1989
Artista y propietaria de Frida Watson (tienda de muebles vintage), de origen canadiense y danés, nacida y criada en Mallorca. Desde hace varios años está afincada en el barrio de Santa Catalina, Palma de Mallorca.
Pinta desde que tiene uso de razón y siempre ha sido autodidacta. Su inspiración le viene de todas las culturas del mundo, pero sobre todo con la africana y mexicana (ésta última donde vive parte de su familia), de la naturaleza en su estado puro y todo lo que tenga que ver con el espacio, las auras y la vibración de las cosas, la repetición de estampados y el puntillismo.
En muchas obras incorpora elementos con purpurina, destellos y puntitos, ya que siente que representa el cosmos y la expansión del Universo.
Acostumbra a pintar con acrílico, pintura en spray, poscas y purpurina, además, le gusta formar relieves en sus obras.
Disfruta pintando sobre todo tipo de superficies y formatos, y cuanto más grandes son, mejor se expresa.
EXPOSICIONES:
IPC- International peoples college-proyecto final de curso exposición, Junio 2007.
Noodle bar(restaurante)-Exposición- Febrero 2010.
Piel de Gallina (tienda)- Exposición colectiva 7 aniversario animal glam. Julio 2010.
La parada de los monstruos(Bar)- Exposición colectiva para la nit de l´art. Septiembre 2010.
Galería Canals i Gils- Exposición colectiva. Octubre 2010.
Galería Canals i Gils- Mercadillo de navidad. Noviembre 2010.
Sa Possesió- Exposición colectiva en el evento expossesions- Diciembre 2011.
2er- (skate park Hannover) Intervención pintura sobre las rampas- Octubre 2014.
Sa Possesió- Exposición colectiva en el evento Festival cósmica- Junio 2015.
La nit de L´art Valldemossa- Julio 2015
Honky Tonk(Bar)- Exposición de fotografía colectiva- Back to the roots- Julio 2015
agosto 6, 2015
In
Rod Robinson
hosted by Dominik Kraehenmann „Plaza 9“.
Born in Brawley, California, 1957
Completed BFA at Academy of Art Collage in San Francisco Cal. 1983.
New York City 84-89.
Presently based in Zurich.
These works are very much focused on what can be done with «nothing».
The notion of «nothing» concerns all types of things, though in this case waste materials, plastics of many types, objects that have lost their «treasure» appeal or material in general that has «single use» purpose.
The construction methods are not complex. Primitive sewing skills and patience are required.
And of course, perseverance. This an essential in all creative processing undertakings.
I’m attempting to give examples of where and how a «shifting» of perception occurs in things of no importance into another object of significance and value.
Significance in that inspiration is a immediate characteristic in it’s appearance.
Value in that this inspiration quality is given, unconditionally, as if an ancient truth has been revealed to the viewer.
And everybody like «free stuff».
Also I’d like to demonstrate the connections between consumption, waste, indifference, ignorance and the necessity to think resourcefully, creatively, imaginatively and the need to work together to preserve our environment.
To learn to want what we’ve got instead of getting what we want.
See potential in the things around us. Especially the abundance of trash we generate.
Think in the term of «Trash into Treasures“.
julio 31, 2015
In
Mireia Tramunt
Mi producción artística hasta el momento ha sido de carácter muy diverso en cuanto a medios y disciplinas artísticas, intentando experimentar con diferentes temas y recursos. Me considero multidisciplinar en el sentido de que no me cierro a una única forma de lenguaje artístico, pero si que, observando mis trabajos, se puede ver que la pintura y la fotografía han sido los dos pilares que en mayor medida, me han ido guiando en cuanto a la realización de proyectos.
El uso de la fotografía se me hace imprescindible a la hora de contar o expresar una idea, se ha convertido en un medio que nunca despego de mí y al que recurro constantemente. Apenas tengo proyectos cerrados o presentados mostrando obra fotográfica, pero desde hace mucho, por rutina o por afinidad, ha sido la vía de trabajo más intensa. Me interesa sobre todo la fotografía analógica y en concreto la película en blanco y negro, aunque no descarto el color dependiendo del proyecto que se trate.
Creo en el paisaje como un estado de ánimo, como una cicatriz interna que todos tenemos. Cada uno alberga un paisaje concreto dentro de sí mismo, un lugar que nos representa como espacio. Pretendo provocar relaciones entre los cuerpos y espacios que fotografío, construir puentes sobre ellos, enlaces entre lo corpóreo y el paisaje natural.
Las Piedras, que nacieron de una casualidad, son uno de los principales focos de interés para mí a la hora de dibujar y de experimentar con el color. Me interesan las formas imposibles de la naturaleza y sus elementos, la complejidad de la geometría, lo rocoso, lo mireral, lo táctil, lo compacto y a la vez frágil. Estas piezas forman parte de una serie que sigue creciendo y que ha ido evolucionando con el tiempo, manteniéndose como al principio sobre papel y soportes como madera o cartulina, y trasladándolo por último, a formatos mayores, mediante pintura mural o grandes empapelados por las paredes de la ciudad.
julio 31, 2015
In
Omar Castañeda
Omar Castañeda es un artista multidisciplinar colombiano que trabaja sobre todo en el medio de la escultura, obras sobre papel y ensambles. El tema central de toda su obra es la comida. Castañeda admite que está completamente obsesionado e inspirado por los alimentos. Su proceso se inicia mediante la canalización, pensando, planeando y fantaseando acerca de la comida y luego meticulosamente traducir esto en una obra de arte. La obra de Castañeda podría compararse con una experiencia visual de indulgencia, pero en una inspección más cercana, él presenta metáforas comestibles salpicadas con fuertes referencias culturales en forma de obras de textura en papel y escultura.
La instalación «Si después de aquello la gente no quiere ver que todo es un montaje comercial, es que la gente es idiota II”. Es una critica/denuncia de como el estado natural del ser humano puede ser comercializado y explotado por bandas criminales pero también por el sistema capitalista en que vivimos, el negocio del hambre.
julio 31, 2015
In
Grip Face
Desde un interés explícito por la ilustración de los años trenta y cuarenta, pasando por el grafismo de los ochenta y llegando a la escritura pixação, Grip Face es un gran admirador de productos culturales y personalidades artísticas surgidos al margen de ciertas corrientes preponderantes.
Suele aparecer en público bajo una máscara que no duda en quitarse en la cercanía personal y profesional. Y aunque sea y se considere artista, necesidades e inclinaciones le han llevado a ejercer eventualmente de comisario, editor u organizador de eventos culturales.
Con el dibujo y el texto como herramientas básicas, Grip Face trabaja sobre calidades y formatos distintos de papeles, reproduciendo en ocasiones sus imágenes sobre tejidos. Sus cuadernos personales son exquisitamente intimistas y preciosistas.
Los estrechos vínculos contraídos con la pintura mural, el arte urbano y su experimentación constante con las tipografías y técnicas gráficas como la serigrafía, hacen de él un artista que combina de manera inquietante una factura ciertamente tradicional y colorista con unos contenidos figurativos de corte visceral y subversivo. Una suerte de surrealismo cotidiano en el que la apariencia ingenua de unos personajes choca con la dureza de su propio contexto social.
Y es en intervenciones de pequeño y gran formato en el espacio público donde expande esa particular iconografía, combinando pinturas y papeles que reclaman su propio lugar en la ciudad.
Jordi Pallarès,
2013
julio 7, 2015
In
Julià Panadès
STREET ALTAR
Street Altar es un proyecto site-specific desarrollado por Julià Panadès expresamente para ARTNIT 2015. Un proyecto que refleja claramente su humor y su interés por jugar con los límites y con la credulidad del espectador, con el paralelismo que existe entre arte contemporáneo y espiritualidad, y como la relación con el público a veces es cuestión de fe. Hay creyentes y detractores. Dioses y tótems. Y existen lugares de adoración: museos, galerías, iglesias, altares, etc. Un proyecto donde Panadès ha buscado una formalización en la cual introducir materiales encontrados, característicos de la calle, y contraponerlos a la sacralidad de las imágenes de tótems de antiguas culturas peruanas como la Azteca o la Mochica. Dos sociedades precolombinas con una intensa vida ceremonial y que presentan un amplio conjunto de representaciones sexuales y de rituales sobre el sacrificio y ofrendas de animales en contextos funerarios. Sus rituales tenían como objetivo principal propiciar la continuidad de los ciclos productivos, asegurar que en el mundo interior la madre tierra, la Pachamama, siguiera siendo fértil, y en este mundo, seres humanos y animales continuasen reproduciéndose gracias al hecho que la tierra seguía produciendo aquello necesario para vivir.
junio 25, 2015
In
Diana Larrea
Diana Larrea (Madrid, 1972) es una artista visual española que en sus trabajos utiliza varias disciplinas plásticas, como la instalación, el vídeo, la fotografía o el dibujo. Es conocida, sobre todo, por las intervenciones y performances que ha realizado en espacios públicos. Con sus propuestas de arte público, la artista siempre ha dirigido su interés hacia la mirada del ciudadano común, para provocar leves interrupciones en nuestra vida cotidiana. Con ello, trata de desplegar preguntas vinculadas a la ocupación del espacio público y la intrusión de ciertos desordenes e nuestra realidad diaria.
Entre sus galardones más destacados se encuentran la Beca Fundación Marcelino Botín, el Premio Vida 6.0 de la Fundación Telefónica, o el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid. Sus obras están presentes en algunas colecciones relevantes como la Biblioteca Nacional (Madrid), la Colección Caja Madrid, el Consejo Superior de Deportes (Ministerio de Educación y Ciencia), el MACUF (Museo de Arte Contemporáneo Unión FENOSA de A Coruña), o el Ino-cho Paper Museum en Kochi-ken (Japón).